Václav Chochola (1923- 2005)
Václav Chochola est un photographe indépendant tchèque et enseignant à l’École des arts graphiques. Il a collaboré avec le Théâtre National un certain nombre d’autres troupes. il utilisait des techniques non traditionnelles, photogrammes , photomontages par exemple . au delà de ses photographies de nus, il a réalisé le portrait de nombreuses célébrités (notamment son célèbre portrait de Dali ) et s’est intéressé à la photographie du sport. Il est à souligné , qu’il a laissé derrière lui un témoignage documentaire photographique sur l’Insurrection de Prague en mai 1945, qui est inestimable . et soulignons également qu’une fois encore un artiste fût arrêté, ainsi en 1970 , il a fait quelques de mois de détention pour avoir été photographier la tombe de Jan Palach ( un étudiant en l’histoire et économie politique , qui a sacrifié sa vie pour protester contre la suppression des libertés après l’occupation Tchécoslovaquie par les armées du Pacte de Varsovie et qui est mort en 1966).
Je ne vous présente qu’un bref aperçu de son travail, ceci n’est qu’une infime partie…
Son site et sa biographie bien plus complète Ici
Václav Chochola-Crazy Horse Saloon, Paris ,1968
Václav Chochola – Crazy Horse Saloon, Paris, 1969
Václav Chochola -projection – Crazy Horse saloon, Paris, 1960-68
Václav Chochola Untitled (Nude at crazy horse), 1965
Václav Chochola -Nude, 1950
Václav Chochola -Nude, 1960
Václav Chochola -Nudes, 1966
Václav Chochola Mädchenakt seitlich im Gegenlicht Nu feminin de côté à contre jour 1960-65 ( j’ai fais au mieux pour la nettoyer … voyez ici , il n’y a que du bruit…)
Václav Chochola -Nude, 1970
Jiři Kolář. Václav Chochola -Roláž ( collage)
Jiři Kolář. Václav Chochola -Roláž ( collage), 1960 ( réalisé par Jiři Kolář à partir d’une photographie de Václav Chochola ci dessous)
Jiři Kolář. Václav Chochola -Roláž ( collage), 1960 ( réalisé par Jiři Kolář à partir d’une photographie de Václav Chocholaci dessous)
Václav Chochola-Rücken, (de dos) , 1960
Jiři Kolář. Václav Chochola -Roláž ( collage), 1960 ( réalisé par Jiři Kolář à partir de deux photographies de Václav Chochola dont celle ci dessus))
Jiři Kolář. Václav Chochola -Roláž ( collage), 1960 ( réalisé par Jiři Kolář à partir d’une photographie de Václav Chocholaci dessous)
Jiři Kolář Václav Chochola -Roláž ( collage), 1963 ( réalisé par Jiři Kolář à partir d’une photographie de Václav Chochola)
Václav Chochola- portrait masqué ( maska) 1947
Václav Chochola – Šlépěj, 1970
Václav Chochola – Man Ray, Paris 1968
Václav Chochola-Vésak Coat, lamp, reflections,,1944
Je vous mets le lien google image pour Jiři Kolář, si vous voulez voir plus de son travail….. je ne ferais pas d’article sur lui, je n’apprécie pas vraimant le reste de son travail, il n’en reste pas moins un très grand collagiste, ceci dit , les goûts et les couleurs…
Libor Fára
Libor Fára (1925-1988) was Painter, graphic artist, typographer and set designer.His graduated from the Academy of Applied Arts in Prague in the studio of Emil Filla in the second half of the 1940s, developing his artistic opinion in the circle of the Prague Surrealists. Fára’s oeuvre is characteristic of a clearly defined polarity between improvisation and order, while inclining to magical Abstraction with a strong touch of aesthetics. The main fields of Fára’s interest were collages, assemblages and objects as well as photography. During the 1950s, Fára participated at various activities of artists, writers and theoreticians from the circle of Karel Teige. Even though his works, based on poetic construction were not created spontaneously, they recollect the production of the Fluxus movement. During the 1960s, Fára collaborated with the Prague theater Na Zábradlí for which he created many timeless stage designs and posters. Later he, however, withdrew from public life and ceased exhibiting; he rather focused on collages and large-dimensional assemblages composed of corroded metal sheets. Member of the group Máj (May; since the year 1957). Over the years 1963 – 1979 created twenty film posters. He focused on stage production after his studies, and he distinguished in it. He cooperated with E.F. Burian theatre from 1953, between 1962 and 68 with theatre Na Zabradli, from 1969 mostly with Cinoherni klub. First painting inspiration of surrealism (Deux visages, 1945) Fara slowly transfered to poetic absurdity, which he realised by collage technique or assemblage. He belongs to founder of Czech action stage design. He is well know because of designs for Jarry´s King Ubu (1964), Waiting for Godot (1965), Cechov´s The Kirschgarten and Hrabal´s Gentle Barbar (1981). He designed the cover and graphic for magazine Theatre between 1958–1970, he participate on graphic layouts of almost all important publications about theatre.
Libor Fára- a Karel Teige, 1951( is the portrait of K.Teige, on the left)
Libor Fára, Black Sunday 3-1-4, 1981
Libor Fára, Black Sunday 5., 1981
Libor Fára, Black Sunday 9.A, 1981
Libor Fára, Black Sunday 12., 1981
Libor Fára- Černá neděle, 1981
Libor Fára- Year of poster origin, 1972
Libor Fára A chague épogue sa pose, ( french text) ,1949
Libora Fáry cycle Breakfast at midnight (1951), dedicated to Zbyněk Havlíčkovi and used for the cover of the Australian poet and fiction-writer Louis Armand
Libor Fára -na snímku – Bez názvu, 1985
Libor Fára-relax 1, 1983
Libor Fára -Relax 8, 1983
Libor Fára- Zasravte cas foto objecktu, 1946
Libor Fára- Sasaek a lampar (foto objecktu), 1947
Libor Fára- domino (foto objecktu), 1945
Libor Fára – Dotky (foto objecktu), 1947
Gerard Petrus-Fieret (1924-2009)
Posted by on 31/08/2012 ( je le préciserai quelque fois, sachant que l’article est encore référencé sur archives du web comme plusieurs autres d’ailleurs, et pas seulement sur ce site, il suffit de taper la petitemelancolie.worldpress.com, pour voir apparaître des dizaine référencements dans les moteurs de recherche. ( vous cliquez sur le lien) .
Ce Site « archives du web » recueille les meilleurs articles et sites du net, ( donc cherchez le votre pour voir !) mais comme j’ai du tout recommencer grâce aux merveilleuses personnes malveillantes, je me fais une joie de le préciser. d’aucun penseront que j’ai un ego et qu’à l’instar de mr Petrus- Fieret, je suis paranoïaque, je m’en moque un peu à vrai dire. Les copiers – collers c’est tellement facile, les personnes qui postent sans savoir ce qu’ils font après tout, si çà plait à la majorité, c’est toujours la merde qui plait à la majorité, c’est par une révélation. les GENS aiment le 2, juste parce que les personnes veulent poster poster poster, dans une frénésie presque folle, alors qu’en cherchant ils trouverait les infos exactes.
(Par ailleurs les archives ayant étaient conservées malgrè tout par mes soins seront re postées dans l’ordre sauf pour cette fois).
Voilà je crois que j’ai fait honneur à Mr Gérard Petrus Ferret avec ce préambule , dont je vais vous parler aujourd’hui et je suis presque certaine que ce grand fêlé aurait bien aimé!
Gerard Petrus-Fieret a étudié la peinture et le dessin à l’Académie Royale d’Art (KABK) à la Haye immédiatement après la Seconde guerre mondiale. Du milieu des années 60 aux années 80, il s’est consacré principalement à la photographie, un moyen qui lui a permis de mettre en valeur tous ses talents créatifs. Au cours de cette période il a produit un flux constant et presque obsédant de photographies noires et blanches, tentant de saisir le monde qu’il l’entoure : Femmes, filles, enfants, animaux et scènes de la rue et sa propre image. Mais il a surtout photographié Les femmes et ce, pendant des rencontres informelles, et le plus fréquemment dans les poses sans complexes, intimes qui donnent une sensation de friser légèrement le voyeurisme.
Le travail de Gérard Petrus Fieret présenté ici datent des années 1960. Tout comme Miroslav Tichý ( d’ailleurs leurs œuvres respectives ont des similitudes), Petrus-Fieret n’a que peu daté son travail. Par contre il l’ a minutieusement tamponnés avec son nom et son adresse de manière plutôt paranoïaque, il faut bien l’avouer. il finira sa vie comme vous pourrez le voir plus bas dans les vidéo en ayant perdu sa tête, déambulant dans les rue et passant son temps sur sa bicyclette et à donner à manger au pigeon. La folie produit de grandes œuvres mais laisse les artistes dans de bien tristes situations parfois. l’écouter dans le documentaire est extrêmement touchant
Toutes les photographies sont (scans personnels) extraites du livre de Deborah Bell Photographs and Paul M. Hertzmann Inc – “Meeting Gerard Petrus Fieret photographs” ed° Suzan Herzig, 2003, publié conjointement à l’exposition “Gerard Petrus Fieret photographs” qui s’est déroulée en 2003 à la Galerie “Deborah Bell Photographs”, à New- york.
Gerard Petrus Fieret- Untitled,1960s p07
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p13
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s, P13
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p12
Gerard Petrus Fieret – Untitled Nude, 1970’s p02
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1961 p01
Gerard Pietrus Fieret -untitled, 1960s p 02
Gerard Pietrus Fieret – 4 plates Untitled, 1960s p02
Gerard Pietrus Fieret – 4 plates Untitled, 1960s p02
Gerard Petrus Fieret Untitled , 1965
Gerard Pietrus Fieret – Untitled, 1960s p02
Gerard Pietrus Fieret – Untitled, 1973 P02
Gerard Fieret Portrait of a Woman 1960s
Gerard Pietrus Fieret – Untitled, 1971 p01
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p12
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s P11
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p11
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p1O
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p10
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s P09
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p09
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p08
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p08
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s P07
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p07
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p06
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s pà6
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p06
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p05
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p05
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p04
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p0″
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p01
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p01
Gerard Pietrus Fieret- untitled, 1960s p01
Gerard Petrus Fieret- Untitled, 1960s
Gerard Pietrus Fieret auto portrait P 16
Gerard Pietrus Fieret -autot portrait , 1960S P 14
Gerard Pietrus Fieret By Kees Breukel 2007-2009
Gerard Pietrus Fieret By Kees Breukel 2007-2009
Vous puvez vous procurer la video qui suit en sa totalité Ici
Frank van den Engel’s Photo & Copyright by G.P. Fieret (2009)
František Drtikol – Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris, 1929
« Dans mon travail, je m’appuie sur l’affirmation du Livre de la Genèse que Dieu a créé l’homme à son image. Il est clair qu’il n’a pas créé l’habillement pour l’homme, il est né nu. C’est pourquoi je regarde la nudité comme l’œuvre de Dieu, en sa beauté comme la chose la plus évidente et morale. Je soutiens que l’humanité serait plus naturelle, sincère et belle si elle avait prêté attention au nu plus souvent. Avec la nudité, les distinctions sociales disparaissent et la beauté de l’homme demeure. Dans mon travail, je suis inspiré par trois choses: le mouvement , l’immobilité et l’expression des lignes individuelles . J’utilise ensuite le fond et les accessoires – des objets simples comme des cercles, des lignes ondulées et des colonnes .
Je laisse la beauté de la ligne elle-même avoir un impact, sans fioriture, en supprimant tout ce qui est secondaire. Ou j’illustre une notion et l’intensifie avec la lumière et parfois par suggestion par le biais un simple trait ondulé, cercle, à la surface ou juste avec une ombre portée sur une toile de fond. Ou bien j’utilise le corps comme un objet de décoration, en le positionnant dans divers milieux et sources de lumières. C’est ainsi que je crée toutes mes photos « .František Drtikol
František Drtikol (1883-1961)
František Drtikol n’était pas seulement un brillant photographe, dont les travaux ont influencé toute une génération, mais en même temps un personnage très controversé, dans lequel se mélangeait des contradictions difficiles à comprendre. Drtikol possède plusieurs visages. Il y a František Drtikol l’artisan dans son atelier de photographie dans lequel défilaient les personnages illustres de l’époque, comme les deux présidents Tomáš Garrigue Masaryk et Edvard Beneš. Ensuite, il y a Drtikol l’artiste, dont la facette la plus connue est celle du photographe de nus féminins. C’est d’ailleurs grâce à cette production qu’il a acquis une renommée internationale et qu’il a été récompensé à Paris. (Aux côtés d’autres artistes tchèques, Drtikol a participé à l’exposition Art Déco à Paris en 1925, où il a reçu le Grand Prix. Suite à ce succès, en 1929, on lui a publié un grand portfolio de nus dans une édition de collecteurs que je vous présente aujourd’hui.
Dans les années 1930, il a acquis une bonne réputation aux Etats-Unis, où il a eu plusieurs expositions indépendantes, une expérience tout à fait inédite pour un artiste tchèque) . La diversité de ses approches artistiques est impressionnante , une période Art nouveau avec des portraits, des nus féminins et des paysages, des cut-up, de la peinture, puis un style influencé par l’Avant-garde, le constructivisme( influencé par Jaroslav Rössler qui était employé dans son atelier). Par exemple, pour l’anecdote et illustré le personnage complexe qu’il était, bien qu’il fût issu d’une famille catholique, il a cherché un nouveau chemin spirituel et il devient un pionnier du bouddhisme et du yoga en République Tchèque.
Il débute assez jeune par un apprentissage chez un photographe et peu après commence à se concentrer sur son propre travail photographique. Il approfondit ensuite ses compétences et son talent au cours de l’école de la photographie à Munich. Après des études à Munich et le service militaire, Drtikol a ouvert son premier studio de photographie à Prague, l’établissant comme l’un des studios les plus prospères en Europe pendant les années vingt.
La carrière de Frantiskek Drtikol dans la photographie a grandi pendant les années du Prague Symboliste et les deux mouvements qui influencent profondément ses premières photographies de nus en leur donnant une qualité picturale ‘Art Nouveau’. Toutefois, pendant les années 1920 et 1930, ses influences décalées et il a commencé à créer un nouveau genre de photographie de nu avec une approche avant-gardiste. Souvent il intégrer la danse expressive et style Art déco dans ses photographies de nus. Après son Prix à Paris son Studio est devenu incontournable et , un certain nombre d’artistes talentueux, comme Jan Zrzavý, Vlasta Burian, Josef Čapek ou Alfons Mucha son passé sous son objectif. On peut donc en conclure que, déjà dans les années 1930, Drtikol avait une renommée internationale. Il se consacrait aux nus et portraits principalement à cette époque, mais parallèlement à tout cela il continuait sa quête spirituelle et pratiquait intensivement le bouhdisme. Il traduit des livres, donne des conférences et forme même un groupe d’adeptes. En 1929, il aurait atteint le Nirvana. Dans une de ses lettres, a écrit à ce sujet: « et j’ai été tout et le tout,et en cela je n’étais que rien absolu. ». Cela prenait beaucoup de place dans sa vie, quant bien même il continuait à photographier et peindre. C’est sous l’influence de son développement spirituel que se transforme sa production artistique. En 1923, son style change. Ses photographies contiennent trois éléments – le corps nu de la femme, des formes géométriques simples, le plus souvent une ligne onduleuse, et la lumière. Ce style originel a par la suite évolué vers encore plus de simplicité. Mais dans le milieu des années 1930 Drtikol abandonne complètement la photographie. Il vend son studio, ses plaques de verre, négatifs, et la caméra pour se consacrer à la peinture.
Le paradoxe et les multiples facettes de Drtikol se dévoile aussi dans le fait qu’il fût plus tard un membre actif du Parti communiste , il l’était dès 1945 et ce jusqu’à sa mort en 1961, et même un camarade actif également en 1948, il aurait été témoin au processus dans les années 1950, et en 1968 niant la revolution….
František Drtikol , dessinateur, peintre mais surtout célèbre photographe de format international.fût beaucoup plus apprécié à l’étranger que chez lui., tout comme cela s’applique à d’autres classiques de la photographie tchèque,Jaromír Funke et Josef Sudek pour ne citer qu’eux…
František Drtikol – Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris, 1929 préface de Claude de Santeul.
[30 planches en héliogravure]
publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des art décoratifs, Paris 1929
František Drtikol planche I, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche II, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche III, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche IV , publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche V, « La Priere », 1925 publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche VI, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche VII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche VIII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche IX, « La Mort », 1925 publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XVII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche X,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XI, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XII,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XIII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XIV, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XV, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XVI,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol – Planche XVIII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XIX,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XX,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXI,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXIII,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXIV, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXV, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXVI, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXVII,publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXVIII, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXIX, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
František Drtikol- Planche XXX, publiée dans Les Nus de Drtikol, Edtion Librairie des arts décoratifs, Paris 1929
Man Ray – Paul Eluard, Nusch Eluard, Ady Fidelin, nd
Man Ray – Paul Eluard, Nusch Eluard, Ady Fidelin, nd
Kitty Hoffman ( wien) Portrait of dancer Claire Bauroff
Kitty Hoffman ( wien) Portrait of dancer Claire Bauroff as she poses, topless and with a spear, in a scene from a ‘Roman Gladiator’ tableau vivant, Vienna, Austria, 1934.
Sergio Larrain (1931 – 2012)
« Sergio Larrain grandit dans une famille de la haute société chilienne. Son père, architecte est très sensible à l’art et tout le milieu culturel de l’époque se retrouve dans la maison familiale pour débattre sur les idées modernistes. La bibliothèque familiale est très riche, composée de livres d’art, architecture et littérature. Cet ensemble permettra à Sergio Larrain d’éduquer son œil et de développer son goût pour l’art. Les relations avec son père sont difficiles et Sergio Larrain ne se sent pas à l’aise dans ce monde bourgeois et frivole. En 1949, il décide de partir étudier aux États – Unis , d’abord en Californie puis dans le Michigan. Cette même année, il achète, à crédit, son premier Leica ,
« A l’époque, j’ai acheté mon premier appareil sans imaginer que la photographie allait devenir mon métier », dit-il .
En 1951, suite au décès accidentel de son jeune frère, Sergio Larrain, qui a abandonné ses études aux Etats – Unis, décide d’accompagner sa famille dans un long voyage qui les mènent en Europe et au Moyen-Orient. Suite à ce périple, il se recentre sur la photographie et s’installe à La Reina où il s’intéresse à la philosophie orientale et pratique de longues séances de méditation.
Cet éloignement est compromis en 1952 par le service militaire obligatoire qui lui laisse de mauvais souvenirs : Au sein du régiment, je me sentais humilié, brutalisé . Tout ce à quoi j’aspirais, c’était un peu de tranquillité. Il se lance alors dans son premier travail conséquent en s’intéressant aux enfants abandonnés de Santiago qui errent dans les rues et sur les rives du fleuve Mapocho.
Comme le souligne Gonzalo Leiva Quijada dans son essai, à travers son objectif, son regard de compassion saisit ces exclus qui deviennent des personnes. Sergio Larrain ne fait qu’un avec eux. Il est leur ami, leur alter ego, lui aussi vagabond, découvrant l’invisibilité.
En 1954, Sergio Larrain devient photographe free – lance et décide d’envoyer un portfolio de ses meilleurs clichés à Edward Steichen au MoMA qui lui achète quatre tirages. Deux ans plus tard, il devient photographe pigiste pour le magazine brésilien O Cruzeiro Internacional.
Très concerné par la scène culturelle de Santiago, Larrain se lie d’amitié avec de nombreux artistes chiliens. Il voyage avec l’artiste américaine Sheila Hicks dans le sud du Chili à la fin de 1957. Le fruit de ce voyage sera présenté en 1958 lors d’une exposition commune au Palacio de Bellas Artes de Santiago puis à Buenos Aires. Dès 1952 , Larrain réalise ses premières images de Valparaiso et rend un vibrant hommage à la ville qu’il qualifie de balcon chilien face au Pacifique . Il retournera plusieurs fois dans cette ville jusqu’en 1963 pour obtenir, au fil des ans, un essai photographique d’une puissance exceptionnelle.
Au cours de l’hiver 1958 – 1959, 20 ans après Bill Brandt qu’il admire, Larrain passe quatre mois à Londres grâce à une bourse du British Council. Dès le début de sa carrière,le photographe rêvait d’intégrer l’agence Magnum et c’est lors de ce voyage en Europe que son rêve va se concrétiser. En effet, il rencontre Henri Cartier-Bresson en 1959 et ce dernier lui propose de rejoindre l’agence après avoir vu ses images des enfants abandonnés. Pour Larrain, le photographe français est « le maître absolu, un génie, appartenant à une catégorie à part » . Pour plus de facilité, Larrain s’installe pendant deux ans à Paris et les commandes vont alors se multiplier, il va couvrir de nombreux sujets, tous très différents ; le mariage du shah d’Iran , la guerre d’Algérie, le tremblement de terre au Chili en 1960, la mafia sicilienne….
Mais très vite, Larrain a des doutes sur les prouesses qu’il faut déployer pour réaliser des sujets publiables pour la presse . Je crois que la pression du monde journalistique – être prêt à sauter sur n’importe quel sujet – détruit mon amour et ma concentration pour le travail , écrit – il à Henri Cartier-Bresson en 1965 . Il décide finalement de rentrer au Chili.
Son premier livre, « El rectangulo en la mano », entièrement conçu par lui, est publié en 1963 . En 1965, le photographe réalise les photos et la mise en page de « En el Siglo XX » , publication soutenue par la Fondation Mi Casa et destiné e à solliciter l’aide des donateurs pour venir en aide aux enfants abandonnés. L’année suivante, il photographie la maison du poète Pablo Neruda à la Isla Negra ; accompagnées de textes du poète, les images sont publiées dans le livre Una casa en la arena.
Au milieu des années 1960, il fonde une agence de communication artistique et s’entoure de nombreux artistes, il collabore également aux magazines Paula et Vea . Il rejoint la communauté d’Arica en 1969 pour y suivre l’enseignement d’Oscar Ichazo et décide , à partir de 1972 , de poursuivre seul sa quête spirituelle ; en 1978, il s’installe définitivement à Tulahuén. Il mène une vie discrète et fuit les sollicitations .
À partir de cette date, il poursuit sa quête à travers le yoga et la peinture tandis que Magnum continue à diffuser ses archives. C’est à cette époque qu’Agnès Sire découvre son travail et commence à entretenir une longue correspondance avec le photographe. Grâce à cette relation épistolaire et au travail de Magnum , Larrain accepte de publier un ouvrage sur Valparaiso (1991) puis Londres (1998).
Le medium photographique devient alors un accompagnement pour les nombreux textes qu’il rédige, un moyen pour tenter de communiquer son goût pour l’essentiel. Ses rares images deviennent des sortes de haïku, des satori, accompagnant avec des dessins les nombreuses lettres qu’il adresse à ses amis.
L’exposition organisée en 1999 à l’ IVAM, Valencia est le dernier évènement important organisé autour de l’œuvre de Larrain , le photographe ayant refusé tous les autres projets. Selon Agnès Sire, les termes employés par Sergio Larrain pour décrire l’état de grâce dans lequel il faut nécessairement se trouver pour « accueillir » une bonne image, sont ceux du mysticisme, voire du spiritisme comme si les images étaient déjà là dans le cosmos et que le photographe agissait comme un medium : « libéré des conventions », « pureté », « concentration », « miracle »… et si les conditions sont réunies « les images arriveront comme des fantômes, des esprits » Texte d’Agnès Sire et Gonzalo Leiva Quijad tiré du livre Sergio Larrain , Monographie Vagabondages, Ed° Xavier, Barral,2013
« A l’époque, j’ai acheté mon premier appareil sans imaginer que la photographie allait devenir mon métier », dit-il .
En 1951, suite au décès accidentel de son jeune frère, Sergio Larrain, qui a abandonné ses études aux Etats – Unis, décide d’accompagner sa famille dans un long voyage qui les mènent en Europe et au Moyen-Orient. Suite à ce périple, il se recentre sur la photographie et s’installe à La Reina où il s’intéresse à la philosophie orientale et pratique de longues séances de méditation.
Cet éloignement est compromis en 1952 par le service militaire obligatoire qui lui laisse de mauvais souvenirs : Au sein du régiment, je me sentais humilié, brutalisé . Tout ce à quoi j’aspirais, c’était un peu de tranquillité. Il se lance alors dans son premier travail conséquent en s’intéressant aux enfants abandonnés de Santiago qui errent dans les rues et sur les rives du fleuve Mapocho.
Comme le souligne Gonzalo Leiva Quijada dans son essai, à travers son objectif, son regard de compassion saisit ces exclus qui deviennent des personnes. Sergio Larrain ne fait qu’un avec eux. Il est leur ami, leur alter ego, lui aussi vagabond, découvrant l’invisibilité.
En 1954, Sergio Larrain devient photographe free – lance et décide d’envoyer un portfolio de ses meilleurs clichés à Edward Steichen au MoMA qui lui achète quatre tirages. Deux ans plus tard, il devient photographe pigiste pour le magazine brésilien O Cruzeiro Internacional.
Très concerné par la scène culturelle de Santiago, Larrain se lie d’amitié avec de nombreux artistes chiliens. Il voyage avec l’artiste américaine Sheila Hicks dans le sud du Chili à la fin de 1957. Le fruit de ce voyage sera présenté en 1958 lors d’une exposition commune au Palacio de Bellas Artes de Santiago puis à Buenos Aires. Dès 1952 , Larrain réalise ses premières images de Valparaiso et rend un vibrant hommage à la ville qu’il qualifie de balcon chilien face au Pacifique . Il retournera plusieurs fois dans cette ville jusqu’en 1963 pour obtenir, au fil des ans, un essai photographique d’une puissance exceptionnelle.
Au cours de l’hiver 1958 – 1959, 20 ans après Bill Brandt qu’il admire, Larrain passe quatre mois à Londres grâce à une bourse du British Council. Dès le début de sa carrière,le photographe rêvait d’intégrer l’agence Magnum et c’est lors de ce voyage en Europe que son rêve va se concrétiser. En effet, il rencontre Henri Cartier-Bresson en 1959 et ce dernier lui propose de rejoindre l’agence après avoir vu ses images des enfants abandonnés. Pour Larrain, le photographe français est « le maître absolu, un génie, appartenant à une catégorie à part » . Pour plus de facilité, Larrain s’installe pendant deux ans à Paris et les commandes vont alors se multiplier, il va couvrir de nombreux sujets, tous très différents ; le mariage du shah d’Iran , la guerre d’Algérie, le tremblement de terre au Chili en 1960, la mafia sicilienne….
Mais très vite, Larrain a des doutes sur les prouesses qu’il faut déployer pour réaliser des sujets publiables pour la presse . Je crois que la pression du monde journalistique – être prêt à sauter sur n’importe quel sujet – détruit mon amour et ma concentration pour le travail , écrit – il à Henri Cartier-Bresson en 1965 . Il décide finalement de rentrer au Chili.
Son premier livre, « El rectangulo en la mano », entièrement conçu par lui, est publié en 1963 . En 1965, le photographe réalise les photos et la mise en page de « En el Siglo XX » , publication soutenue par la Fondation Mi Casa et destiné e à solliciter l’aide des donateurs pour venir en aide aux enfants abandonnés. L’année suivante, il photographie la maison du poète Pablo Neruda à la Isla Negra ; accompagnées de textes du poète, les images sont publiées dans le livre Una casa en la arena.
Au milieu des années 1960, il fonde une agence de communication artistique et s’entoure de nombreux artistes, il collabore également aux magazines Paula et Vea . Il rejoint la communauté d’Arica en 1969 pour y suivre l’enseignement d’Oscar Ichazo et décide , à partir de 1972 , de poursuivre seul sa quête spirituelle ; en 1978, il s’installe définitivement à Tulahuén. Il mène une vie discrète et fuit les sollicitations .
À partir de cette date, il poursuit sa quête à travers le yoga et la peinture tandis que Magnum continue à diffuser ses archives. C’est à cette époque qu’Agnès Sire découvre son travail et commence à entretenir une longue correspondance avec le photographe. Grâce à cette relation épistolaire et au travail de Magnum , Larrain accepte de publier un ouvrage sur Valparaiso (1991) puis Londres (1998).
Le medium photographique devient alors un accompagnement pour les nombreux textes qu’il rédige, un moyen pour tenter de communiquer son goût pour l’essentiel. Ses rares images deviennent des sortes de haïku, des satori, accompagnant avec des dessins les nombreuses lettres qu’il adresse à ses amis.
L’exposition organisée en 1999 à l’ IVAM, Valencia est le dernier évènement important organisé autour de l’œuvre de Larrain , le photographe ayant refusé tous les autres projets. Selon Agnès Sire, les termes employés par Sergio Larrain pour décrire l’état de grâce dans lequel il faut nécessairement se trouver pour « accueillir » une bonne image, sont ceux du mysticisme, voire du spiritisme comme si les images étaient déjà là dans le cosmos et que le photographe agissait comme un medium : « libéré des conventions », « pureté », « concentration », « miracle »… et si les conditions sont réunies « les images arriveront comme des fantômes, des esprits » Texte d’Agnès Sire et Gonzalo Leiva Quijad tiré du livre Sergio Larrain , Monographie Vagabondages, Ed° Xavier, Barral,2013
Sergio Larrain Cafe- Valparaiso, Chile 1963
Sergio Larrain- Cafe, Valparaiso, Chile 1963
Sergio Larrain Bar. Valparaiso 1963.
Sergio Larrain Bar. Valparaiso, 1963
Sergio Larrain- Between Chiloe Island and Puerto Montt. chile, 1957
Baron De Mirjian
Baron De Mirjian- Nude, 1920s
Baron De Mirjian- Woman in Feather Costume, 1920s
Ladislav Postupa
Je vous propose encore une fois particulièrement les nus, mais comme ci mentionné plus haut, une large place aux objets est laissé dans son oeuvre, Il a également beaucoup travaillé sur des installations architecturales à grande échelle de photographies.
Ladislav Postupa – Conscience, Variant (Female Nude), 1966
Ladislav Postupa – Conscience,1966
Ladislav Postupa – Punition, double exposure, 1960s
Ladislav Postupa- le mensonge (Ležící ),1963
Ladislav Postupa – Clair-obscur ,1964
Ladislav Postupa-Ladislav Postupa – Ladislav Postupa – Female Nude (detail),1970s
Ladislav Postupa – Female Nude with Chair, 1970
Ladislav Postupa – Female Nude with Chair, 1970
Ladislav Postupa – Female Nude (detail), 1970s.
Ladislav Postupa- photomontage ,1964
Ladislav Postupa -( Agir avec pondération) Akt s váhami, 1960s
Ladislav Postupa – Punition, 1965-1969
Ladislav Postupa-Female Nude, 1969
Ladislav Postupa – Female Nude (detail),1970s
Ladislav Postupa -Female nude in shadow, 1960-1969
Ladislav Postupa Zakletá, nd
Ladislav Postupa -Pohádka,nd
Ladislav Postupa -Memory, 2005
Ladislav Postupa Light Bulb, 1968
Postupa Ladislav – Gymnastika 2010
Protégé : Lee Miller (1907-1977)
Nusch Eluard- Collages Collection of Timothy Baum, New York.
« C’est l’expert américain du surréalisme Timothy Baum qui a découvert la supercherie : 6 collages référencés par les ayants droits du poète Paul Eluard avaient été attribués au poète. Or Timothy Baum dans les années 70 achète dans une vente aux enchères trois de ces collages. Et là, après les avoir examinés à la loupe, il découvre la signature de Nusch. Il prévient aussitôt les éditions Gallimard et tous les experts du surréalisme pour signaler sa découverte. Obsédé par sa découverte géniale, il met la main sur 3 autres collages signés Nusch. Ainsi met-il à jour la petite oeuvre d’une artiste éphémère, Nusch Eluard.
Les Collages de Nusch Eluard datent de 1937. ( mais sont souvent datés des années précédentes car tout d’abord attribués à Paul Eluard , variant de 1930 à 1936). Nusch est alors dépressive. Eluard s’en inquiète auprès des amis. Nusch sollicite l’aide d’un médecin qui lui conseille d’écrire… Impossible, lui dit-elle, son mari est poète. C’est à lui que revient le talent de l’écriture. Elle n’avoue sans doute pas que l’écriture n’est pas pour elle un exercice facile. Elle commet de nombreuses fautes d’orthographe. Nusch est d’origine allemande et n’a guère fréquenté l’école. C’est Picasso, son confident qui va la guider vers le collage. Le collage est une technique artistique très appréciée par les Surréalistes et Eluard adore çà. Il en achète et il en produit lui-même. Avec Georges Hugnet, maitre incontesté du collage surréaliste, et ami intime du couple, Nusch est à « bonne école ».
Les Collages de Nusch constituent une oeuvre, composée en quelques jours, achevée, mais jamais poursuivie par l’artiste comme si la création des 5 collages avait fait oeuvre de thérapie, ce que recherchait la jolie Nusch. » C. Vieuille Pour Ed° Arte Littera.
[ Rappel pour voir les photos en taille optimale les ouvrir dans un autre onglet ou page, sinon elles restent formatée à 549 pixels…]
Nusch Éluard – Photo Collage, ca. 1937 Collection of Timothy Baum, New York.
Nusch Eluard- Bois des Iles, Precious woods, Photo-collage c. 1937 Collection of Timothy Baum, New York.
Nusch Éluard – Collage, ca. 1936 Collection of Timothy Baum, New York.
Nusch Éluard – Photo-collage c. 1937.Collection of Timothy Baum, New York.
Nusch Éluard – Collage, ca. 1937 Collection of Timothy Baum, New York.
Nusch Éluard – Photo-collage c. 1937.Collection of Timothy Baum, New York.
Support pour collage Nusch Éluard – Unknown- Theatical outdoor nude, pose, 1925s, Germany
Vous pouvez vous les procurer Ici sous format Pdf, ou dans un livre avec d’autres collages de surréalistes de grand nom
Max Ernst – Une semaine de bonté
« Dans cette ultime partie, des femmes en transe quittent leurs lits et leurs chambres à coucher pour s’envoler. Toute pesanteur, caractéristique de la réalité, est abolie. A travers ces figures cambrées, Max Ernst illustre la fascination surréaliste pour l’hystérie, maladie libératrice et inspiratrice : « Gloire […] à l’hystérie et à son cortège de femmes jeunes et nues glissant le long des toits. Le problème de la femme est, au monde, tout ce qu’il y a de merveilleux et de trouble »
André Breton, Manifestes du surréalisme, Paris, Jean-Jacques Pauvert, 1962.
Pendant plusieurs semaines, l’été 1933, le peintre allemand séjourne à Vigoleno, dans le nord de l’Italie, invité , tout comme l’artiste surréaliste Valentine Hugo ou bien encore le poète et agitateur Gabriele D’Annunzio, le pianiste Arthur Rubinstein, l’actrice Mary Pickford et même l’acteur Douglas Fairbanks par Maria Ruspoli, Duchesse de Gramont.
Il puise dans sa foisonnante bibliothèque où sont réunis des romans à quatre sous et il y découpe quantité d’images qui le font rêver ou sourire( (des illustrations découpées de Gustave Doré du Paradis perdu de Milton ou des gravures tirées de magazines passés de mode , des illustrations de romans populaires du 19e siècle comme Les damnés de Paris de Jules Mary, de manuels scientifiques….) .
Pour quoi faire ? Pour confectionner son troisième ensemble de collages. Une Semaine de Bonté ( le troisième roman-collage de Max Ernst, apres « La Femme 100 têtes » de 1929 et « Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel » de1930. Ces planches furent éditées par Jeanne Bucher l’année suivante en 1934 donc, en un coffret de cinq cahiers, à 800 exemplaires, comportant 184 Collages ( que je vous présente , mais que je ne possède pas (malheureusement), mais il existe aujourd’hui deux très bons livres Ici qui vous présentent toutes les Oeuvres de ce romans collage, que vous pouvez acquérir pour quelques euros, (optez pour celui de Werner Spies qui respecte les originaux, (teintes par exemple…etc) mais qui est plus cher. L’autre vous trouvez ttes les copies sur le net)
Max Ernst « avait à l’origine prévu de le publier en sept cahiers afin d’associer à chaque cahier un jour de la semaine. Le choix du titre renvoie d’ailleurs au sept jours de la Genèse. Mais c’est également une allusion à l’association d’entraide « La semaine de la bonté » fondée en 1927 pour promouvoir l’action sociale. Paris avait été envahi d’affiches de l’organisation sollicitant le concours de chacun. Le titre, comme les éléments constitutifs des collages sont autant d' »emprunts » de Max Ernst. »@Musée d’Orsay
Ces collages furent exposés deux fois dans leur intégralité (moins cinq planches, censurées car jugées trop blasphématoires) , en 1936 ,au Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid,), par l’entremise de Paul Eluard et plus de 70 ans après au Musée d’Orsay à Paris en 2009 en çà totalité cette fois.
Dans cette œuvre Max Ernst nous propose une histoire entre le conte merveilleux et le roman «noir» qui est une suite de plusieurs collages sans note ni légende.( Seul dans le dernier cahier, il accompagne les jours par des citations choisies de Marcel Schwob, Jean Hans Arp, André Breton, Paul Eluard et d’autres.)
Il comporte sept séries d’images qui représentent chacune une journée de la semaine (mythe moderne de la création). La notion d’«éléments capitaux» est substituée par Max Ernst à celle des sept «péchés capitaux». À chaque journée est associé un élément et un exemple. Une semaine de bonté porte un sous-titre, «Les sept éléments capitaux», affirmant ainsi la volonté délibérément blasphématoire de l’artiste
Le dimanche a pour élément la boue et pour exemple le lion de Belfort (l’orgueil);
le lundi, élément : l’eau, exemple : l’eau (la paresse);
le mardi, élément : le feu, exemple : la cour du dragon (la luxure);
le mercredi, élément : le sang, exemple : Œdipe (la colère );
le jeudi, élément : le noir, deux exemples : le rire du coq, l’île de Pâques (l’envie, qui a deux aspects selon la théologie);
le vendredi, élément : la vue, exemple : l’intérieur de la vue (l’avarice);
le samedi, élément : inconnu, exemple : la clé des chants (la gourmandise).
Au final, chaque collage forme un engrenage donnant naissance à des êtres extraordinaires évoluant dans des décors fascinants, des mondes visionnaires défiant l’entendement et le sens de la réalité. La caractéristiques de tous ces collages est que les thèmes sont abordés par l’isotopie (homme/animal) Les personnages affublés de têtes d’oiseaux, munis d’ailes dans le dos, dotés de membres imprévus,. Avec une maîtrise diabolique ‘une part, par le fait qu’Ernst unifie l’espace en prenant plusieurs éléments découpés d’un même espace en y ajoutant un nouvel élément et dans des décors fantastiques à trois dimensions y place ses personnages .
Comme ses compagnons surréalistes, Max Ernst est revenu traumatisé de la Première Guerre mondiale. Comment reprendre place, comme si de rien n’était, dans une société qui met tout en œuvre pour oublier ou nier les horreurs et les destructions ? En faisant preuve de dérision, en construisant un univers Onirique, Allégorique et poétique, qu’il pourrait apparaitre presque « délicieux » au sein d’une fin du 19ieme romantique feutrée et de n’y évoquer que la terreur , l’effroi, la cruauté, les tortures, la douleur, La nature de l’homme, la sexualité, la brutalité, qui sont si lissement niées dans les salons confinés, mais qui se révêlent bien existantes derières les murs et portes. En cela les tableaux et événements qui se déroulent au fil des pages d’une semaine de Bonté forment un contraste éclatant avec le titre et sont l’incarnation de sa volonté de réduire en miettes les bien pensants. La semaine commence un dimanche, , les salons cossus hébergent un peuple qui grouille : mais ils sont limaces, queues de diable, reptiles/ le message est assez clair et éloquant !
« Dans ce roman visuel, sans parole, le spectateur reste dépendant de sa seule interprétation. C’est à lui de reconstruire un événement, d’identifier une histoire ou de tenter de donner un sens, jusqu’à en perdre haleine. »@Musée d’Orsa
Premier cahier Dimanche /
Max Ernst- Une semaine de bonté premier Cahier dimanche le lion de Belfort, 1934 . © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté premier Cahier dimanche le lion de Belfort, 1934 . © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté premier Cahier dimanche le lion de Belfort, 1934 . © ADAGP
Ernst se détache de la chronologie de la Genèse en faisant débuter sa semaine par le dimanche, qu’il fait sombrer dans une orgie de violence, de blasphème et de mort. De même, l’élément associé « La boue » – la boue primitive, der Urschlam – est un contraste absolu avec le jour de repos du Créateur.
Il met en scène la domination constante des faibles, des (belles) femmes en particulier. La bête humaine triomphante à tête féline enchaîne, menace, effraie, torture, tue. Ernst l’a muni de toutes sortes d’armes et a placé ça et là des serpents, crânes et autres éléments symboliques.
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 12, ( Dimanche: la boue et le Lion de Belfort) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 14,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 22, 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort ,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 4,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 5,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 21,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 24, 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 28, (Encourager l’interdit d’interprétation) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le lion de Belfort 34,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Deuxième cahier // Lundi
Le deuxième jour a pour élément et exemple l’eau. Ce Lundi n’en est pas moins chargé de violence, de peur et de mort : il envoie des flots jusqu’en haut des monuments parisiens, aux pieds des lits ou se trouvent de belles prisonnières, parfois endormies.
Ici aussi Ernst joue avec les corps et leurs positions, insère l’ambigüité et l’érotisme.
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, L’eau 4, (Une personnalité du choix)1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst Collage tiré de Une semaine de bonté, l’eau,6 , 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, L’eau 4, « Ecriture automatique « ( 21) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst Collage tiré de Une semaine de bonté, L’eau 4 (Lundi: l’eau, 24) , 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Troisième cahier // Mardi
Max Ernst- Une semaine de bonté troisème cahier Mardi, La cour du Dragon Cahier 1934. © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté troisème cahier Mardi, La cour du Dragon Cahier 1934 . © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté troisème cahier Mardi, La cour du Dragon Cahier 1934 . © ADAGP
Mardi et sa Cour du Dragon, où, alors que dans l’ombre un reptile est toujours prêt à se déployer, la bourgeoisie est montrée dans soute son hypocrisie, son désordre intérieur et ses luttes. « L’histoire commence dans « La cour du dragon » à Paris, et se poursuit dans la grande bourgeoisie. Les dragons et serpents côtoient les êtres humains, eux-mêmes pourvus d’ailes de dragon ou de chauve-souris, voire aussi d’ailes d’ange.
Le feu des passions, élément à l’opposé de la force naturelle de l’eau, conduit à des tragédies symbolisées par les attributs ou animaux plongés dans cet enfer bourgeois. Les motifs surréels qui apparaissent sur les murs et les panneaux de porte expriment les rêves, les peurs et les désirs cachés de la bourgeoisie. » Musée d’Orsay
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, La cour du dragon 4, ( Mardi: le feu et la cour du dragon) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, La cour du dragon 11 (Décoller du réel), 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, La cour du dragon 10 , 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, La cour du dragon 24 , 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Quatrième cahier //Mercredi
Max Ernst- Une semaine de bonté quatrieme cahier Mercredi OedipeCahier 1934 . © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté quatrieme cahier Mercredi OedipeCahier 1934 . © ADAGP
Max Ernst- Une semaine de bonté quatrieme cahier Mercredi Oedipe Cahier ,1934 . © ADAGP
Mercredi raconte le mythe d’Oedipe « Le personnage mythique d’Oedipe est ici représenté avec une tête d’oiseau. Les collages narrent son histoire, notamment l’assassinat du père et l’énigme du sphinx. Le plus célèbre d’entre eux est dédié à la blessure aux pieds que lui avait infligée ses parents pour être sûrs de ne pas le voir revenir après qu’il eut été abandonné. Recueilli et adopté par Polybe, le roi de Corinthe, le jeune enfant reçoit le nom d’Oedipous signifiant « pied enflé » en grec ancien.
Chez Ernst, la scène de la blessure, fruit d’une transposition surréaliste, représente l’homme-oiseau transperçant le pied d’une femme nue avec un poignard. »Musée d’Orsay
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Oedipe 1, ( Anatomies) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Oedipe 3, ( Oeil) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Oedipe 7, 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Oedipe 21, (Inquiétante étrangeté) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Oedipe 25, (Un peu de matière désorganisée) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Dernier cahier// Jeudi
Max Ernst- Une semaine de bonté Jeudi Vendredi Samedi Cahier , 1934. © ADAGP
Jeudi place les menaces dans le signe du coq gaulois – l’Etat français.
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Le rire du coq,12,1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Vendredi et Samedi sont eux beaucoup plus symboliques et même proprement surréalistes avec L’intérieur de la vue et La clé des chants ( où les femmes, enfin libérées, s’envolent vers les cieux, au bord de l’extase, portées par l’étoffe, les nuages et le vent.
« Ceux d’entre eux qui sont gais tournent parfois leur derrière vers le ciel et jettent leurs excréments à la figure des autres hommes ; puis ils se frappent légèrement le ventre. » Marcel Schwob (L’Anarchie).
« Le rire est probablement destiné à disparaître. » Marcel Schwob (Le Rire).
L’île de Pâques « Les pierres sont remplies d’entrailles. Bravo. Bravo. » Arp
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, L’île de Pâques 2 ( Metaphore), 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP,
Vendredi // Elément : La vue
Max Ernst- Une semaine de bonté Jeudi Vendredi Samedi Cahier , 1934 . © ADAGP
Trois poèmes visibles
« Si trois est plus grand que 6, faites un cercle autour de la croix, et si l’eau éteint le feu, tracez une ligne du sceau à la bougie, en passant au-dessus du couteau, puis faites une croix sur l’échelle. » Prof. O. Decroly et R. Buyse (Les tests mentaux).
Aux scènes mouvementées des suites précédentes succèdent ici des images pour la plupart emblématiques. Pour certaines planches, Ernst revient à une manière de procéder qu’il a surtout utilisée au début de sa carrière : le « collage synthétique ». Ces compositions sont faites d’éléments hétérogènes placés sur une feuille blanche. Pour les relier entre eux, l’artiste complète les espaces intermédiaires à l’encre ou au crayon, créant en règle générale une scène qui évoque un large paysage.
Premier poème visible
« Et j’oppose à l’amour
Des images de toutes faites
Au lieu d’images à faire. »
Paul Eluard (Comme deux gouttes d’eau)
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté,Premier poème visible 4, 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Deuxième poème visible
« Un homme et une femme absolument blancs. » André Breton (Le revolver aux cheveux blancs)
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Deuxième poème visible 1, ( Vendredi: l’intérieur de la vue) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Troisième poème visible 1, 1933 © Isidore Ducasse
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, Troisième poème visible 3, 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Samedi //L’élément : Inconnu
Max Ernst, Collage tiré de Une semaine de bonté, La clé des chants 1, ( Samedi: clé des chants et Inconnu) 1933 © Isidore Ducasse Fine Arts. Photo Peter Ertl. © ADAGP
Vous pouvez trouvez bons nombres des collages dans ce pdf, mais aucun credits n’y est. Vous trouvez noyament les planches du rire du coq // +// + ( là vous avez les crédits si vous voulez en poster) que je n’ai pas mises.
La présentation de l’expostion au Musée d’Orsay avec quelques collages, mais un très bon texte que j’ai d’ailleurs cité ici.
Georges Bataille – Poèmes érotiques
Je t’aime comme on râle
“Tu es l’horreur de la nuit
Je t’aime comme on râle
Tu es faible comme la mort
Je t’aime comme on délire
Tu sais que ma tête meurt
Tu es l’immensité la peur
Tu es belle comme on tue
Le coeur démesuré j’étouffe
Ton ventre est nu comme la nuit.”
Illustration de Jean Fautrier pour Georges Bataille
Je mets mon vit contre ta joue
“Je mets mon vit contre ta joue
Le bout frôle ton oreille
Lèche mes bourses lentement
Ta langue est douce comme l’eau
Ta langue est crue comme une bouchère
Elle est rouge comme un gigot
Sa pointe est un coucou criant
Mon vit sanglote de salive
Ton derrière est ma déèsse
Il s’ouvre comme ta bouche
Je l’adore comme le ciel
Je le vénère comme un feu
Je bois dans ta déchirure
J’étale tes jambes nues
Je les ouvre comme un livre
Où je lis ce qui me tue”
Illustration d’ André Masson pour Georges Bataille
Ma putain
“Ma putain
Mon coeur
Je t’aime comme on chie
Trempe ton cul dans l’orage
Entourée d’éclairs
C’est la foudre qui te baise
Un fou brame dans la nuit
Qui bande comme un cerf
Qui dévorent les chiens
La mort éjacule en sang”
Illustration d’Hans Bellmer , pour Georges Bataille
J’ouvre le ciel comme on ouvre la gorge
“J’ouvre le ciel comme on ouvre la gorge
Des mourants
Je suis calme comme un taureau
Qui meugle sous la pluie
Je ne suis pas un homme
Je meugle
Je suis plus idiot que la foudre
Qui éclate de rire
Je veux faire un vacarme
Si grand
Qu’on ne s’entendra plus.
Ma folie et ma peur
Ont de grands yeux morts
La fixité de la fièvre.
Ce qui regarde dans ces yeux
Est le néant de l’univers
Mes yeux sont d’aveugles ciels
Dans mon impénétrable nuit
Est l’impossible criant
Tout s’effondre.
Bande-moi les yeux
J’aime la nuit
Mon coeur est noir
Pousse-moi dans la nuit
Tout est faux
Je souffre
Le monde sent la mort
Les oiseaux volent les yeux crevés
Tu es sombre comme un ciel noir.”
Illustration d’Hans Bellmer- Les deux soeurs, 1957, pour Georges Bataille
Gonflée comme ma pine
“Gonflée comme ma pine ma langue
Dans ta gorge d’amour rose
Ma vulve est ma boucherie
Le sang rouge lavé de foutre
Le foutre nage dans le sang
Dans mes bras mauves le parfum de pomme
Le panthéon de la bitte majestueuse
Un cul de chienne ouvert
A la sainteté de la rue ’amour chevelu de ma jambe
Un panthéon de foutre”
Hans Bellmer – study for georges bataille’s “l’histoire de l’oeil”, 1946
Je dors
“Je dors
La bouche ouverte dans l’attente
D’une pine qui m’étrangle
D’un jet fade d’un jet gluant
L’extase qui m’encule est le marbre
De la verge maculée de sang
Pour me livrer aux vits
J’ai mis
Ma robe à fendre l’âme”
Hans Bellmer Study for Georges Bataille’s “L’Histoire de l’oeil”, 1946
Mademoiselle mon coeur
‘Mademoiselle mon coeur
Mise à nue dans la dentelle
La bouche parfumée
Le pipi coule de ses jambes
L’odeur maquillée de la fente
Est laissée au vent du ciel
Un nuage
Dans la tête
Se réfléchit à l’envers
Une merveilleuse étoile
Tombe
Coeur criant comme la bouche
Le coeur manque
Un lis est brûlant
Le soleil ouvre la gorge.”
Georges Bataille – Poèmes érotiques extraits In, Œuvres complètes, volume IV , Ed° Gallimard, 1992
George Bataille
Armand Noyer Edition
Alfred Noyer Studio – Topless Dancer, 1920s.
Saboutin {Galerie Bilderwelt} for A. Noyer Studio – La Belle Dherlys, 1921
Saboutin {Galerie Bilderwelt} for A. Noyer Studio – La Belle Dherlys performing at the Revue du Casino de Paris, 1921.
A.Noyer Studio- Nu with veil #520, Postcard, Paris, 1920s.
Alfred Noyer Studio Nude, Paris, Postcard, 1920s.
Julian Mandel for Alfred Noyer Studio, Nude with Boudoir doll, Postcard #255,Paris, 1920s.
Julian Mandel for Alfred Noyer Studio, Nude with Boudoir doll, Postcard #254,Paris, 1920s.
studio A. Noyer- Nude #211, Postcard, Paris, 1920
A.Noyer Studio- Nude, Postcard, Paris, 1910.
Julian Mandel for Alfred Noyer Studio- Nude #242, Paris. Postcard , 1920s
A. Noyer Studio- Nude with veil, Postcard, Paris, 1910.
A. Noyer Studio- Nude#204,Model Kiki de Montparnasse,1920’s
Julian Mandel for A.Noyer Studio- Female holding her breast, Paris, 1920
Julian Mandel for A.Noyer Studio -Ekstase, Paris 1925
Julian Mandel for A.Noyer Studio – Nu à la Rose, Paris, 1920’s
Alfred Noyer Studios- Nude with veil, Paris, 1920’s
Alfred Noyer Studios- Nude with veil, Paris, 1920’s
Alfred Noyer Studios- Nude with veil, Paris, 1920’s
Julian Mandel for Alfred Noyer Studios- Nude, Paris, 1925
Julian Mandel for A.Noyer Studio – Woman smoking in the nude, Postcard, Paris, 1933
Julian Mandel for A.Noyer Studio- Nude #279, Paris Postcard,1920’s
Alfred Noyer Studio – Study of nude, Paris Postcard, 1920s.
Julian Mandel for A.Noyer Studio- study of Nude #217, Paris Postcard, 1920s.
Julien Mandel for A.Noyer Studio- study of Nude #217, Paris Postcard, 1920s.
Julien Mandel for A.Noyer Studio- study of Nude #56, Paris Postcard, 1920s.
Julien Mandel for Alfred Noyer Studios- Nude 364, Paris,1920s
Lucien Walery for A. Noyer Studio -Nude #536, Postcard,Paris, 1910s.
Lucien Walery for A. Noyer Studio -Nude #536, Postcard,Paris, 1910s.
Lucien Walery for A. Noyer studio- Nude, Paris,1920’s
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Julien Mandel for A.Noyer Studios- Nude#204[Model Kiki de Montparnasse
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Julien Mandel for A.Noyer Studios- Nude#204[Model Kiki de Montparnasse
Alfred Noyer Studios – Nude with veil,{model Hilde Meyer Kupfer}, paris, 1920’s
Alfred Noyer- Nude miniatures 1920’s
julian Mandel for A.Noyer Studio -Nu #88 1920’s
julian Mandel for A.Noyer Studio -Nu #88 1920’s
Julien Mandel for Alfred Noyer Studios- Nude #49 Paris,1920s
Julien Mandel for Alfred Noyer Studios- Nude #222, Paris,1920s
Julian Mandel for A.Noyer Studio – Femme nue se mirant dans l’eau, Nu#352 1920’s
Julian Mandel for A.Noyer Studio – Femme nue se mirant dans l’eau, Nu#352 1920’s
Julian Mandel for A.Noyer Studio – Study in the water, Nu#352 1920’s
Julian Mandel for A.Noyez Studio- On the beach #412, Postcard, Paris, 1930’s
Alfred Noyer Studios – Protrait à la cigarette, Postcard, Paris, 1920’s
Alfred Noyer Studio -Nude#527 , 1920’s
Julian Mandel for Alfred Noyer Studio -Nude#369 , 1920’s
Alfred Noyer Studio -Nude# 4249, 1920’s
Alfred Noyer Studio -Nude#4584 , 1920’s
Alfred Noyer Studio -Nude# 5036, 1920’s
La Petite Mélancolie 
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